Principios fundamentales del arte

Los principios del arte representan cómo el artista usa los elementos para crear un efecto y ayudar a transmitir su intención. Los principios del arte y el diseño son: equilibrio, contraste, énfasis, movimiento, patrón, variedad y unidad. Veamos más sobre todos ellos.

BALANCE O EQUILIBRIO

El equilibrio es uno de los principios del arte que describe cómo los artistas crean peso visual en sus obras. Esto quiere decir que los artistas piensan en cómo equilibrar sus obras de diferentes formas, entre ellas, utilizando elementos como la línea o el color.

Si todos los elementos interesantes de una obra estuvieran centrados en un punto, el trabajo no tendría balance o equilibrio y la mirada del espectador se quedaría atrapada en un solo lugar, ignorando el resto de la pieza. Por tanto, una pieza de trabajo equilibrada tendrá elementos de arte dispuestos de tal manera que diferentes áreas atraigan la atención del espectador a través de la pieza completa. En este sentido, existen diferentes tipos de balance o equilibrio en arte: simétrico, asimétrico y radial.

El concepto de equilibrio visual a menudo se ilustra usando una balanza. Cuando dos elementos de una obra de arte tienen el mismo peso visual y están en lados opuestos del centro, igualmente distantes, se equilibran, como ocurre en la balanza. Del mismo modo, un elemento más pequeño puede equilibrar uno más grande si el más pequeño está más alejado del centro y el más grande más cerca.

  • Equilibrio simétrico o formal: el equilibrio simétrico significa que ambos lados de una línea imaginaria son iguales.
  • Equilibrio asimétrico o informal: el equilibrio asimétrico significa que cada lado de una línea imaginaria es diferente pero igual.
  • Equilibro o balance radial: el equilibrio radial significa que las líneas o formas crecen desde un punto central.

CONTRASTE Y GRADACIÓN

El contraste es uno de los principios del arte que sirve para crear entusiasmo e interés en las obras de arte. Dos cosas que son muy diferentes tienen mucho contraste, por ejemplo: el blanco y el negro tienen el mayor de los contrastes posibles, aunque los colores complementarios también pueden tener un alto contraste. Los contrastes no solo se dan con colores, tenlo en cuenta, y una diferencia de textura (como rugoso y suave), o de líneas y formas, también puede ser un recurso para crear contrastes.

Cuanto mayor sea el contraste, más se destacará algo y llamará la atención sobre sí mismo. Esto se aplica a obras de arte completas, así como a determinadas zonas dentro de una obra de arte. Las áreas con mayor contraste de valor (sombras y luces más fuertes) tenderán a aparecer más hacia adelante en el espacio, ya que la perspectiva atmosférica reduce el contraste a distancia. El contraste también se puede utilizar para establecer el estado de ánimo o el tono del trabajo. El alto contraste hace que un trabajo sea más vibrante, vigoroso, impetuoso y animado, o lo que es lo mismo, hace que “explote” más. Por el contrario, un trabajo de bajo contraste es más silencioso, tranquilo, sutil, reflexivo y relajante.

Ahora busca la pintura de Van Gogh llamada “Trigal con cuervos”. En ella, Vincent van Gogh usó colores de alto contraste para hacer que los campos de trigo amarillo destacasen contra el cielo azul oscuro. Ahora busca la obra de Claude Monet llamada “El puente de Waterloo” y podrás ver cómo los artistas también pueden elegir un bajo contraste para lograr una apariencia más suave.

ÉNFASIS

El énfasis es otro de los principios del arte. Los artistas hacen hincapié en hacer que ciertas partes de su obra de arte destaquen y llamen la atención. El centro de interés o punto focal es el lugar al que el artista llama su atención primero.

El punto focal más fuerte con el mayor peso visual es el elemento dominante del trabajo. El aislamiento, las líneas principales, la convergencia, el contraste, la anomalía, el tamaño, la ubicación, el encuadre, el enfoque, la profundidad de campo y la ausencia de puntos focales, son algunas de las estrategias utilizadas para ayudar a crear este tipo de obras.

Ahora busca la pintura de la artista Mary Cassatt llamada “La carta”. En ella, la pintora fijó el énfasis en el sobre, pintándolo de blanco contra los patrones oscuros del vestido de la mujer. También colocó el sobre en el centro de la pintura para llamar la atención del espectador. En la obra que verás a continuación, el énfasis está todavía mucho más marcado, gracias al paraguas de color rojo que se ha destacado sobre un campo en blanco y negro.

ARMONÍA Y UNIDAD

La armonía o unidad es otro de los principios fundamentales del arte, y es la sensación de que todo en la obra de arte funciona en conjunto y parece que encaja. Los elementos armoniosos tienen una relación o progresión lógica, es decir, que de alguna manera trabajan juntos y se complementan entre sí.

Cuando se agrega un elemento discordante, algo que va en contra de todo, se dice que es “disonante”, al igual que una nota desagradable o desafinada en una canción. La unidad se crea utilizando similitudes y repeticiones armoniosas, continuidad, proximidad y alineación, para que las partes se RELACIONEN entre sí y creen un todo unificado, en lugar de una variedad de elementos mal ajustada y sin sentido.

Busca la obra de Gustave Caillebotte llamada “Fruta exhibida en la calle”. Gustave utilizó la forma para crear la unidad. Recuerda que la repetición de la forma y el color pueden unificar una obra de arte.

Veamos ahora algunos de los elementos que se utilizan para lograr armonía y unidad más detenidamente:

  • Similitud: los elementos con características similares o idénticas (tamaño, forma, color, etc.) serán considerados como un “grupo” por el espectador. Algunos elementos similares a lo largo de un trabajo, pueden ayudar a que todo el trabajo sea coherente.
  • Continuidad: usando la continuidad se pueden usar pequeñas señales para dirigir la atención alrededor de un trabajo. Un elemento de arte que tiene dirección (una línea, borde, espiral), por ejemplo, tenderá a señalar la atención del espectador al mirar la obra de arte. El ojo del espectador seguirá mirando en esa dirección hasta que otro elemento significativo se detenga o redirija su mirada.
  • Cierre: a nuestros cerebros les gusta llenar los espacios en blanco y completar cosas, como un teléfono móvil cuando pretende adivinar lo que estás tratando de decir mientras escribes. En este sentido se pueden usar ciertas técnicas artísticas, como crear partes pequeñas para sugerir un todo (por ejemplo, algunas esquinas o un contorno punteado pueden completar una obra) o no mostrar explícitamente al espectador toda la información de la obra para que realice el cierre por sí mismo y crear una experiencia más gratificante.
  • Proximidad y alineación: las cosas que están muy juntas o alineadas entre sí serán agrupadas por el propio cerebro, incluso si son muy diferentes. Cuanto más similares, más cercanos o alineados estarán los elementos y más fuertemente se “leerán” como un grupo.

MOVIMIENTO

El movimiento o ritmo visual nos hace pensar en los ritmos que escuchamos en la música o el baile, pero también se dan en otras disciplinas. Los artistas crean ritmo visual también en sus obras repitiendo elementos de arte y creando patrones. Usar elementos de arte para dirigir el ojo del espectador a lo largo de un camino determinado a través de la obra de arte, hace que pueda surgir y mostrarse movimiento, acción y dirección.

En una imagen fija, como una pintura o una fotografía (donde nada se mueve realmente), se pueden usar varias estrategias para dar al espectador una sensación de movimiento y velocidad, o para que se mueva el ojo a través del trabajo. Dichas estrategias pueden ser: líneas, diagonales y elementos no equilibrados

Las líneas que apuntan en una dirección y las espirales pueden crear movimiento (cuanto más largas son las líneas, más se enfatiza el movimiento y la velocidad). Las diagonales, los elementos inclinados o algunas cosas desequilibradas o sin soporte, darán la sensación de que el movimiento está presente o por ocurrir. También se puede hacer que los objetos que se mueven rápidamente parezcan borrosos dependiendo de la velocidad y la dirección del movimiento. Otro recurso muy utilizado es hacer que el sujeto principal de la obra parezca congelado en un instante mientras el fondo a su alrededor está borroso (en movimiento), algo muy frecuente en la fotografía.

La dirección también es muy importante para la creación del movimiento en el arte. Los objetos que se mueven de izquierda a derecha pueden tener una sensación de moverse más rápido, al igual que ocurre con los que se mueven o inclinan hacia abajo.

REPETICIÓN, RITMO Y PATRÓN

Los artistas crean patrones repitiendo una línea, forma o color una y otra vez. Repetir elementos de arte de manera regular o cíclica se hace para crear interés, movimiento y/o armonía y unidad. Los ritmos pueden ser aleatorios, regulares, alternos, fluidos y progresivos. Las clases de patrones incluyen mosaicos, celosías, espirales, meandros, ondas, simetría y fractales, entre otros.

  • Patrones: los motivos pueden considerarse como unidades de patrones. En artes visuales, son áreas limitadas o volúmenes que contienen diseños o cualquier combinación deseada de elementos de arte: sellos, azulejos, bloques de construcción, módulos, etc. Los motivos se pueden copiar y organizar de manera múltiple para crear un efecto deseado, como la repetición o el patrón.
  • Repetición: el uso repetido de una forma, color u otro elemento o diseño de arte en una obra, puede ayudar a unificar diferentes partes en un todo. El objetivo de la repetición es crear un patrón o ritmo de manera suficiente como para causar un eco visual y reforzar o acentuar ciertos aspectos del trabajo.
  • Ritmo: cuando los motivos o elementos se repiten o alternan, los intervalos existentes entre ellos, o la forma en que se superponen, pueden crear ritmo y una sensación de movimiento.
  • Ritmo aleatorio: las agrupaciones de motivos o elementos similares que se repiten sin regularidad crean un ritmo aleatorio. La caída de nieve, los rebaños de ganado o los atascos de tráfico, demuestran ritmos aleatorios.

Busca ahora la obra “Nenúfares” de Claude Monet, y podrás observar cómo Monet repite el patrón de nenúfares flotando en el estanque.

PROPORCIÓN Y ESCALA

La proporción es uno de los principios del arte que describe el tamaño, la ubicación o la cantidad de una cosa en comparación con otra. Por ejemplo, podemos medir la proporción y la escala observando qué tan ancha es una obra en relación a su altura. Se cree que algunas proporciones, como la llamada “proporción áurea” o “regla de los tercios”, son más agradables a la vista humana y con un aire más natural.

La escala es el tamaño de algo en comparación con el mundo en general: una obra de arte puede denominarse miniatura, a pequeña escala, a escala completa, a tamaño natural, a gran escala o más grande aún, de tipo monumental.

VARIACIÓN Y VARIEDAD

La variación o variedad ocurre cuando un artista crea algo que se ve diferente del resto de la obra de arte. Un artista puede usar la variedad o variación para hacernos mirar una parte determinada o hacer que la obra de arte sea más interesante. Se pueden crear estos efectos visuales a través de una variedad de formas, colores, etc.

La variedad puede agregar interés y romper la monotonía de las repeticiones simples.

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